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19/04/17

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‘CÓMICS ESENCIALES 2016’


[Texto en castellano debajo]
Son membro da Asociación de Críticos y Divulgadores del Cómic de España (ACDCómic) desde a súa fundación. Sempre me considerei máis divulgador que crítico, e non precisamente porque vexa con maos ollos a figura do crítico, senón antes ben ao contrario, porque creo que o crítico debe ser unha persoa cunha formación tan vasta e un criterio tan ben formado que moi pouca xente pode permitirse realmente o apelativo; a isto hai que engadir que o crítico ten de ter a valentía de facer as súas valoracións con total honestidade e sabendo que probablemente, aínda que tratase de ser o máis respectuoso e medido nas súas apreciacións, moita xente (non só autores: tamén organizadores, editores...) non vai aceptar nada por debaixo da máxima puntuación. Creo na crítica como algo imprescindible para calquera medio, e celebro a vitalidade actual da crítica de cómic.

A revista Jot Down e mais a ACDCómic acaban de editar un anuario, Cómics esenciales 2016, en que participo con dous artigos: «Ciencia ficción en todo su esplendor», sobre a serie ¡Universo! de Albert Monteys, e «La distopía es hoy», sobre o volume Gran Hotel Abismo, de Marcos Prior e David Rubín. A asignación de títulos aos articulistas fíxose a partir da lista de Esenciales que publica semestralmente a asociación. Son un centenar de textos sobre outras tantas obras (ademais de varios artigos de fondo e unha entrevista a Ana Galvañ e Paco Roca).

Ao igual que as listas persoais do «mellor do ano», unha lista colectiva non deixa de ser un constructo a partir do cal descubrir cousas, ou iniciar debates sobre que é ou non é o que se pode considerar o mellor ou o máis destacable (e que criterios fan que sexa destacable, que non necesariamente teñen que ser a calidade intrínseca, senón tamén unha serie de factores externos). En calquera caso, está claro que se unha asociación como esta ten sentido é para comezar a ofrecer plataformas de referencia que permitan ir asentando a crítica de cómic, nun momento en que a crítica de calquera outro medio non goza precisamente do espazo que debería, polo que iniciativas como este anuario —ou o estudo sobre cómic dixital editado hai uns meses— son moi boas noticias para o sector.

Cómics esenciales 2016. Un anuario de ACDCómic & Jot Down, Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi Investments, 2017
Anexo: outra reflexión miña sobre a crítica, publicada na columna «Entre as viñetas» de Culturagalega.org (comprobo agora que do texto desapareceron as raias, o que afecta bastante á puntuación): «A crítica, ese mal necesario» (2008)



[Texto en castellano]
Soy miembro de la Asociación de Críticos y Divulgadores del Cómic de España (ACDCómic) desde su fundación. Siempre me he considerado más divulgador que crítico, y no precisamente porque vea con malos ojos la figura del crítico, sino más bien al contrario, porque creo que el crítico debe ser una persona con una formación tan vasta y un criterio tan bien formado que muy poca gente puede permitirse realmente el apelativo; a esto hay que añadir que el crítico tiene que tener la valentía de hacer sus valoraciones con total honestidad y sabiendo que probablemente, aunque haya tratado de ser lo más respetuoso y medido en sus apreciaciones, mucha gente (no solo autores: también organizadores, editores...) no va a aceptar nada por debajo de la máxima puntuación. Creo en la crítica como algo imprescindible para cualquier medio, y celebro la vitalidad actual de la crítica de cómic.

La revista Jot Down y la ACDCómic acaban de editar un anuario, Cómics esenciales 2016, en el que participo con dos artículos: «Ciencia ficción en todo su esplendor», sobre la serie ¡Universo! de Albert Monteys, y «La distopía es hoy», sobre el volumen Gran Hotel Abismo, de Marcos Prior y David Rubín. La asignación de títulos a los articulistas se hizo partir de la lista de Esenciales que publica semestralmente la asociación. Son un centenar de textos sobre otras tantas obras (además de varios artículos de fondo y una entrevista a Ana Galvañ y Paco Roca).

Al igual que las listas personales de «lo mejor del año», una lista colectiva no deja de ser un constructo a partir del cual descubrir cosas, o iniciar debates sobre qué es o no es lo que se puede considerar lo mejor o lo más destacable (y qué criterios hacen que sea destacable, que no necesariamente tienen que ser la calidad intrínseca, sino también una serie de factores externos). En cualquier caso, está claro que si una asociación como esta tiene sentido es para comenzar a ofrecer plataformas de referencia para ir asentando la crítica de cómic, en un momento en que la crítica de cualquier otro medio no goza precisamente del espacio que debería, por lo que iniciativas como este anuario —o el estudio sobre cómic digital editado hace unos meses— son muy buenas noticias para el sector.

Cómics esenciales 2016. Un anuario de ACDCómic & Jot Down, Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi Investments, 2017
Anexo: otra reflexión mía sobre la crítica, publicada (en gallego) en la columna «Entre as viñetas» de Culturagalega.org (compruebo ahora que
desaparecieron las rayas del texto, lo que afecta bastante a la puntuación): «A crítica, ese mal necesario» (2008)


24/03/17

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‘PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS’



[texto en castellano debajo]

Gañou numerosos premios en festivais internacionais, e nas últimas semanas tamén do Goya á mellor película de animación, mais o seu currículo non evitou que a súa presenza na carteleira fóra de grandes capitais fose breve e en condicións pouco adecuadas (a segunda e derradeira semana na Coruña xa só se proxectaba na sesión das 16:00). Certamente, Psiconautas, los niños olvidados, dirixida por Alberto Vázquez e Pedro Rivero, non é unha película fácil nin para grandes públicos, pero é probable que a (importantísima) evolución do cinema de animación e do seu público nestes últimos anos aínda non conseguise vencer algunhas fronteiras mentais. É unha mágoa, porque Psiconautas é cinema de altura, non unha simple anécdota de animación para adultos.

Baseada na novela gráfica publicada por Alberto Vázquez en 2006, esta versión cinematográfica supón unha ollada máis madura á mesma historia, con engadidos que potencian a súa forza. Se a curtametraxe Birdboy (2011), que dirixiron tamén Vázquez e Rivero, supuña un máis que notable primeiro achegamento a ese universo e demostraba que era posible a calidade na animación a partir de medios limitados, esta versión en longametraxe é xa a constatación de que o bo cinema animado pode facerse cun equipo reducido en que moitos dos creativos gráficos (entre eles, nada máis e nada menos que outros ilustradores do talle de Martín Romero, Giovanna Lopalco, Alberto Guitián ou José Domingo) realizan varios labores na produción, en lugar de estaren centrados nun só campo (fondos, iluminación...), como é habitual nestes casos. A base técnica da animación da longa recupera un pouso máis tradicional con respecto á curtametraxe (máis de debuxo fotograma a fotograma que de movementos vectoriais, para entendernos), ao igual que a aparencia afonda aínda máis nos xeitos analóxicos, aínda que esta sexa unha película dixital.

O filme incorpora á dura historia contada pola novela gráfica un elemento dalgún modo redentor, que introduce cando menos unha pinga de luz nesta sombría e opresiva historia: un refuxio que pode representar a reconquista da natureza, cun novo ciclo despois da morte, e que conecta (conceptual e incluso graficamente) con universos propios do Miyazaki máis panteísta. Este elemento non representa, porén, ningunha dulcificación da historia, que mesmo agudiza os seus contrastes ao acadar tons próximos ao cinema de terror cunhas poderosísimas escenas que condensan elas soas o horror contido nos personaxes e especialmente en Birdboy.

O feito de a historia estar protagonizada polo que tradicionalmente se denominaba funny animals permite que se transmita de forma xenuína todo un ambiente atafegante que dalgún xeito, aínda que sexa afastado, nos resulta punzantemente familiar: esa sensación de necesidade de fuxida propia do adolescente, ou esoutra do descubrimento dos perigos que asexan nese exterior ao que se quere fuxir. A animación, como a ilustración, consegue traducir sensacións que a fotografía en moitos casos tapa coa propia exposición evidente daquilo que consideramos o horror. 


[texto en castellano]

Ganó numerosos premios en festivales internacionales, y en las últimas semanas también del Goya a la mejor película de animación, pero su currículo no evitó que su presencia en la cartelera fuera de grandes capitales fuese breve y en condiciones poco adecuadas (la segunda y última semana en A Coruña ya solo se proyectaba en la sesión de las 16:00). Ciertamente, Psiconautas, los niños olvidados, dirigida por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, no es una película fácil ni para grandes públicos, pero es probable que la (importantísima) evolución del cine de animación y de su público en estos últimos años todavía no haya conseguido vencer algunas fronteras mentales. Es una pena, porque Psiconautas es cine de altura, no una simple anécdota de animación para adultos.

Basada en la novela gráfica publicada por Alberto Vázquez en 2006, esta versión cinematográfica supone una mirada más madura a la misma historia, con añadidos que potencian su fuerza. Si el cortometraje Birdboy (2011), que dirigieron también Vázquez y Rivero, suponía un más que notable primer acercamiento a ese universo y demostraba que era posible la calidad en la animación a partir de medios limitados, esta versión en largometraje es ya la constatación de que el buen cine animado puede hacerse con un equipo reducido en que muchos de los creativos gráficos (entre ellos, nada más y nada menos que otros ilustradores de la talla de Martín Romero, Giovanna Lopalco, Alberto Guitián o José Domingo) realizan varias labores en la producción, en lugar de estar centrados en un solo campo (fondos, iluminación...), como es habitual en estos casos. La base técnica de la animación del largo recupera un poso más tradicional con respecto al cortometraje (más de dibujo fotograma a fotograma que de movimientos vectoriales, para entendernos), al igual que la apariencia ahonda todavía más en los modos analógicos, aunque esta sea una película digital.

El filme incorpora a la dura historia contada por la novela gráfica un elemento de algún modo redentor, que introduce cuando menos una pizca de luz en esta sombría y opresiva historia: un refugio que puede representar la reconquista de la naturaleza, con un nuevo ciclo después de la muerte, y que conecta (conceptual e incluso gráficamente) con universos propios del Miyazaki más panteísta. Este elemento no representa, sin embargo, ninguna dulcificación de la historia, que hasta agudiza sus contrastes al conseguir tonos próximos al cine de terror con unas poderosísimas escenas que condensan ellas solas el horror contenido en los personajes y especialmente en Birdboy.

El hecho de que la historia esté protagonizada por lo que tradicionalmente se denominaba funny animals permite que se transmita de forma genuina todo un ambiente asfixiante que de algún modo, aunque sea lejano, nos resulta punzantemente familiar: esa sensación de necesidad de huida del adolescente, o esa otra del descubrimiento de los peligros que acechan en ese exterior al que se pretende huir. La animación, como la ilustración, consigue traducir sensaciones que la fotografía en muchos casos tapa con la propia exposición evidente de aquello que consideramos el horror.